Le «Still Processing» du NXT Museum explore l’intersection de l’art, de la technologie et de la perception humaine, offrant une réflexion critique sur les impacts de la vie à l’ère numérique saturée d’image.
« Lorsque vous cassez quelque chose, et qu’il s’effondre, parfois vous voyez vraiment ce qui était là en premier lieu », a déclaré Rosa Menkman à L’Observatoire de l’Europe Culture.
L’artiste et chercheur néerlandais Menkman’s Investigation (une «rupture») du traitement d’image est central de l’exposition récemment ouverte du NXT Museum, «toujours traitement».
Situé dans le quartier industriel en évolution rapide d’Amsterdam – une zone industrielle autrefois négligée devenue Creative Hotspot – NXT Museum a depuis son Genesis, comme l’explique le fondateur et directeur Merel Van Helsinden, a cherché à «réunir l’art, la technologie, la science et la performance». Le «traitement toujours» s’appuie sur cette vision, nous invitant dans un espace liminal où notre perception de la réalité, médiée par la technologie, est interrogée – principalement, comme le souligne Van Helsdinden, via le travail d’artistes locaux.
Déballage de la surcharge
Le titre de l’exposition, «Still Traitement», en dit long sur l’état actuel de notre relation avec la technologie. À une époque où nous sommes bombardés par un déluge d’informations et d’images, comment traitons-nous le flux constant? Comment concilions-nous la rationalité de la technologie (bien que la technologie puisse également refléter les biais humains) et l’impact émotionnel qu’elle a sur nous? Les travaux sur affichage ont sonde ces questions, invitant les visiteurs à explorer les implications de la façon dont les images et les sons sont créés, transformés et consommés.
Le «traitement toujours» est divisé en deux thèmes principaux: la manipulation des images par technologie et le rôle du cerveau humain dans le traitement de ces transformations. À la base, le spectacle invite les visiteurs à faire une pause, à faire le point et à considérer les empreintes mentales et émotionnelles laissées par l’ère numérique: de l’aplatissement des images en compression numérique à la nature évolutive des mondes générés par l’IA.
«Le titre décrit à peu près ce que nous ressentons tous. Nous traitons tous une surcharge d’images, une surcharge d’informations… Nous connaissons une sorte de crise d’image », a déclaré Bogomir Doringer, conservateur de l’exposition, lors de l’ouverture du spectacle.
Briser le tout
Pour Menkman, il y a une grande valeur dans la déconstruction. Dans une conversation avec L’Observatoire de l’Europe Culture, elle a expliqué comment son intérêt pour le traitement d’image a commencé au cours de ses premières études sur les nouveaux médias. «Les ordinateurs étaient alors effrayants – s’ils se cassaient, ils seraient coûteux à réparer. Vous perdriez tout. Il n’y avait pas de sauvegarde », se souvient-elle. Cette peur a cependant poussé Menkman à explorer ce qui se passe lorsque les choses s’effondrent, en particulier en ce qui concerne la création d’images. «Lorsque vous cassez quelque chose, et ça s’effondre, parfois vous voyez vraiment ce qui était là en premier lieu», a-t-elle expliqué. Cette idée de voir à travers des perturbations se déroule tout au long de ses œuvres dans l’exposition, avec chaque œuvre – se déroulant dans quatre pièces – mettant en évidence un développement clé: la transition de l’analogue à l’imagerie narquois, à la plate-forme, à l’imagerie synthétique (générée par ordinateur) et jpeg compression.
Peut-être que les plus intrigants et révélateurs parmi ses œuvres sont «IM / Rainbows possibles» (2023-2025), qui met en lumière la façon dont la pollution et la technologie modifient notre perception des arcs-en-ciel – omniprésent comme ils sont dans les logos de marque et les drapeaux, et souvent perçus comme faits En hausse de rayures discrètes de couleur plutôt que d’un gradient de couleurs – et de «De / Calibration Army (2017)», découvrant les biais racistes cuits dans nos algorithmes de traitement d’image les plus élémentaires. «Je propose la décalibration comme une nouvelle norme», a déclaré un modèle Shutterstock, parlant à partir d’une application appelée Perfect365, qui permet de manipuler des images avec un «sélecteur de biais» intégré.
Comme l’a expliqué Menkman, « les images, même une image rendue, ne sont pas réellement statiques… il y a tellement de couches dans lesquelles ces processus ont lieu. »
Flux constant
Notable notamment pour son échelle pure, l’œuvre visuellement captivante «The Slolleia» (2025) par Balfua crée un monde numérique habité par des créatures de changement de forme appelé Sollas. Ces créatures communiquent à travers des sons et évoluent de manière imprévisible, offrant aux visiteurs un voyage troublant à travers un environnement en constante évolution. Les créatures existent dans un domaine numérique en constante évolution, créé à l’aide d’un mélange d’outils de traitement conventionnels et numériques. Le travail reflète le flux constant d’informations que nous traitons quotidiennement, faisant allusion à la nature imprévisible de nos interactions avec la technologie.
La fusion de l’art et de la technologie est également illustrée par la «simulation en bleu» obsédante (2025) par Geoffrey Lillemon. Dans cette pièce, les musiciens générés par l’IA, pris dans un domaine numérique de chaos d’improvisation, défient notre compréhension à la fois de la performance et de l’art visuel. La nature spectrale et toujours changeante de ces personnages – erratique dans leurs mouvements – suscite un sentiment d’attraction et de malaise. Doringer décrit à juste titre cette tension: «Le comportement de ces entités est parfois prévisible, parfois non. Mais les résultats sont très séduisants, nous continuons donc à traiter et à essayer de traiter ces images davantage. »
Perceptions de l’espace et du temps
Plusieurs œuvres dans le traitement immobile explorent les effets persistants de la lumière et du son sur le corps et l’esprit. « Red Horizon » (2014) de Gabey Tjon A Tham est une installation de son cinétique et de lumière qui s’inspire des mouvements chaotiques mais précis des essaims dans la nature. Le travail comprend 15 doubles pendules, chacun avec des lumières blanches et des haut-parleurs, créant des motifs imprévisibles sur les murs. Alors que les visiteurs regardent, ils peuvent remarquer des immeubles après l’image – des traces bleues et violettes laissées sur la rétine. Ces empreintes visuelles persistantes, qui s’estompent lentement à mesure que l’on se déplace dans l’espace, sert de métaphore poignante pour la façon dont la technologie laisse des traces durables.
Quelque chose d’assaut contre les sens de la vue et de l’ouïe, «durée» (2025) par Boris Acket rappelle le commentaire de Doringer sur «le traitement d’une surcharge d’images, une surcharge d’informations». Acket’s immersive, responsive audiovisual installation – a dynamic grid that towers high above visitors as they walk amidst it, in an otherwise dark space – distributes light and sound, breaking down individual audio inputs into intricate patterns that interact with light to offer a fragmented sensory experience .
Notre expérience subjective ici rencontre la mécanique, le son intense et la lumière de la grille produisant une sorte de chaos glitch mais dominateur – alors que nous traversons l’espace, sous réserve de bruit et d’éclairage imprévisibles, de notre expérience du temps et de l’espace (et notre agence dans cette expérience ) est remis en question.
De même, déstabilisant nos notions de dimensions temporelles et spatiales, les enfants de la lumière «tout-together» (2025) crée une atmosphère éthérée qui semble exister dans plusieurs dimensions à la fois. Inspirée par la toute première image d’un trou noir, cette œuvre se compose de cinq anneaux flottants qui se déplacent à travers des cycles de synchronisation, dissolvant les limites spatiales lorsqu’ils se déplacent dans le ton et la lumière. Les qualités éphémères de l’œuvre évoquent un sens du temps et de l’espace qui est à la fois personnel et universel, invitant les téléspectateurs à ressentir la lumière et le son comme plus que de simples phénomènes physiques.
« Vous pourriez avoir l’impression d’être dans une église, mais vous pourriez également être dans un club », a déclaré Doringer de Still Processing. En effet, les œuvres présentées ici – dans quelque chose d’une ambiance de club de nuit, avec des pièces sombres et des lumières clignotantes abondantes – sont des enquêtes philosophiques stimulantes sur la façon dont nous nous engageons, physiquement et émotionnellement, avec le monde de la technologie en évolution rapide.
Des changements subtils de perception à la présence écrasante de caractères générés par l’IA, l’exposition souligne la nature volatile de l’image numérique et la charge cognitive qu’il nous place. Pour ma part, je suis certainement toujours en train de traiter.
‘Toujours traitement’se déroule au musée NXT d’Amsterdam jusqu’au 5 octobre 2025.
