La 60e édition de l’événement met à l’honneur les pays du Sud et les artistes historiquement marginalisés.
La 60e édition de la Biennale de Venise est un spectacle lumineux, audacieux et révolutionnaire.
L’exposition internationale est réputée pour distiller bon nombre des grands enjeux géopolitiques du moment, et cette année ne fait pas exception.
Le titre du conservateur Adriano Pedrosa, « Les étrangers partout » est facilement malléable, abordant sous son aile des sujets tels que le nationalisme, les déplacements, la marginalisation et le colonialisme.
Certains pavillons et expositions affrontent explicitement ces problématiques contemporaines. Le Pavillon néerlandais a fait plus que simplement réfléchir au débat sur le vol d’art colonial ; il a apporté un changement en persuadant un musée américain de restituer une statue en bois au Congo pour la durée de l’exposition.
L’installation du pavillon australien est l’œuvre de l’artiste des Premières Nations Archie Moore et utilise un tableau généalogique rempli de lacunes pour mettre en lumière l’histoire sombre et traumatisante des Australiens autochtones.
D’autres abordent ces sujets de manière plus conceptuelle, évoquant l’expérience d’être un étranger ou remettant en question la rigidité des frontières.
La 60e édition de l’événement met également à l’honneur le Sud global, historiquement de minimis dans les échelons supérieurs de l’art international. Pedrosa est le premier commissaire latino-américain de la Biennale et son accent sur la représentation et la visibilité est palpable.
Voici les pavillons et expositions collatérales à ne pas manquer lors d’une visite à la Biennale de Venise 2024.
Nucleo Storico, Pavillon Central
Il y a un symbolisme puissant dans la transformation du pavillon central normalement blanc des Giardini (rappelant le cube blanc qui consacre l’art occidental) en une débauche de couleurs. La peinture murale est l’œuvre d’un collectif de peintres de l’Amazonie brésilienne, MAHKU (Movimento dos Artistas Huni Kuin), qui renonce aux modifications de l’art occidental.
« Il renonce à la mimesis, à la perspective, aux règles de proportion et à la technique canonique, pour s’engager uniquement dans les forces du miração, les expériences visionnaires stimulées par l’ingestion d’ayahuasca lors des rituels nixi pae », selon le groupe.
Les peintures complexes et époustouflantes s’inspirent de récits mythiques et d’histoires ancestrales tissées dans un plat graphique en mosaïque recouvrant les éléments architecturaux de la façade de la salle d’exposition.
À l’intérieur, vous trouverez le travail de dizaines d’artistes « étrangers », dont beaucoup n’ont jamais exposé à une Biennale auparavant.
Nucleo Contemporaneo, Arsenale
Dans l’autre moitié de l’exposition principale de l’Arsenale, le textile est la discipline matérielle dominante et le Sud global la source dominante. Encore une fois, cela remet en question les formes classiques consacrées qui composent les beaux-arts – la peinture, la sculpture et le dessin.
Le Nucleo Contemporaneo est rempli de broderies, de feutres, de teintures et de points de suture. Des artistes qui n’utiliseraient jamais ce terme pour se décrire et qui n’ont peut-être jamais exposé leurs œuvres dans un musée auparavant présentent des idées picturales en tissu et en fils.
Cherchez la vaste toile brodée au début de l’exposition de la Bordadora de Isla Negra. Ce groupe basé au Chili était composé de femmes autodidactes qui créaient des textiles aux couleurs vives illustrant la vie quotidienne de leur village côtier entre 1967 et 1980.
À proximité, les œuvres trapunto en tissu peint et cousu de Pacita Abad, née aux Philippines, sont inspirées par l’intérêt de l’artiste pour l’expérience des immigrants. « Haïtiens attendant à Guantanamo Bay » (1994) dépeint l’espoir derrière les barbelés.
« Blend in Before You Stand Out » (1995) met en scène une femme vêtue d’un paréo, d’une casquette de baseball des Yankees et d’un maillot de basket des Bulls, illustrant les luttes des immigrants lors de leur intégration dans une nouvelle société.
Pavillon de l’Australie, Giardini
Alors que vous marchez de la lumière du soleil vers l’intérieur sombre du pavillon australien, il faut quelques secondes pour regarder les murs noirs pour mettre au point le diagramme dense à la craie blanche.
Les quatre côtés sont recouverts d’un tableau généalogique qui retrace les ancêtres kamilaroi, bigmbul et britanniques de l’artiste des Premières Nations Archie Moor remontant à 65 000 ans.
Alors que « Kith and Kin » rend hommage à la lignée et à l’interdépendance des Premières nations australiennes, il exprime simultanément un passé imprégné de traumatismes.
Les noms dans des dizaines de cases sont remplacés par des insultes racistes, des informations sur la pureté du sang et des trous béants représentant les personnes assassinées ou rayées des archives publiques.
Une table centrale est remplie de documents relatifs aux enquêtes des coroners expurgées sur la mort d’Australiens autochtones détenus dans les prisons d’État. Il s’agit d’un espace puissant qui donne à réfléchir – et qui a remporté le Lion d’Or de cette année pour la meilleure participation nationale.
Pavillon de l’Allemagne, Giardini
Attirant de longues files d’attente lors des journées d’avant-première presse, le pavillon allemand a été considéré par beaucoup comme un incontournable. En effet, il répond à toutes les attentes des visiteurs de la Biennale : une performance loufoque et déstabilisante.
Exposant les œuvres des artistes Michael Akstaller, Yael Bartana, Robert Lippok, Ersan Mondtag, Nicole L’Huillier et Jan St. Werner, « Thresholds » explore le concept de frontières.
Pour la première fois et pendant toute la durée de l’exposition, l’installation s’étend au-delà des limites des Giardini vers un autre lieu : l’île voisine de La Certosa.
La déconstruction symbolique de la nation est devenue un thème transannuel alors que le pavillon est aux prises avec son héritage et son architecture fascistes.
Reste à savoir si les visiteurs feront le voyage physique jusqu’à La Certosa, d’autant plus que la performance poussiéreuse et assiégée d’Ersan Mondtag dans le pavillon vole la vedette.
Pavillon du Liban, Arsenale
S’inspirant de l’exposition centrale de Pedrosa, le pavillon du Liban cherche à renverser un mythe occidental bien établi.
Dans « Une danse avec son mythe », l’artiste Mounira AI Solh plonge dans la fondation du Liban avec l’histoire de la princesse phénicienne Europe séduite et enlevée par Zeus déguisé en taureau blanc.
Al Solh renverse le mythe. Plutôt qu’une femme succombant à un homme, elle a rétabli l’équilibre entre les sexes en réimaginant Europe « se jetant (Zeus) avec ses pieds comme s’il était un ballon de foot ».
« Une danse avec son mythe » s’installe autour d’un bateau, invitant les visiteurs à un voyage symbolique d’émancipation.
Sur la voile du bateau, un film de 12 minutes est projeté avec des scènes de la déesse faisant tourner une urne contenant une tête de taureau. « J’ai cherché un magnifique taureau blanc… mais je n’ai trouvé qu’une chèvre », peut-on lire dans un vers de poésie.
« Je veux montrer que nous, en tant que femmes, ne voulons pas jouer le rôle de victimes », a déclaré AI Solh dans une interview avec la conservatrice du pavillon, Nada Ghandour. « Il faut se réapproprier nos histoires, les colorer, les changer, les inverser, les retourner, pour se les réapproprier. »
Pavillon de la Roumanie, Giardini
Sous le titre « What Work Is », le pavillon roumain présente le travail de Sarban Savu et de l’Atelier Brenda représenté par les designers Nana Esi et Sophie Keij.
Dans l’espace lumineux en béton, les murs sont remplis de peintures rappelant le réalisme social mais peintes avec des teintes pastel plus délicates.
À y regarder de plus près, les scènes se déroulant dans les lieux de travail montrent des moments de repos plutôt que de travail, « peuplés de protagonistes désorientés et de figurants léthargiques ».
Des hommes en casquette sont assis sur des tabourets improvisés dans un chantier de construction étrangement vide ; un gardien de musée fait une sieste sur une chaise devant un retable médiéval.
Les œuvres réfléchissent sur les sentiments de déplacement et le mal du pays associés au travail migratoire.
Jardin Cosmique, Salone Verde
Avec sa présentation d’artistes indiens et d’œuvres brodées, l’exposition collatérale Cosmic Garden pourrait presque être une extension du Nucleo Contemporaneo de Pedrosa.
Installées dans le Salone Verde, les salles sont un délice de peintures et sculptures mystiques et énigmatiques des artistes indiens Madhvi Parekh et Manu Parekh. Leurs œuvres s’inspirent d’anciens mythes indiens et de symboles ésotériques védiques.
À côté, Karishma Swali et la Chanakya School of Craft réinventent leur travail dans des panneaux colossaux de broderie.
« Le projet cherche à réévaluer la relation mutuelle entre les femmes et la broderie, en transcendant les limites de la vie domestique et en amenant la broderie à la main dans la sphère publique », déclarent les conservateurs.
Les peintures et les textiles sont fantaisistes et d’une grande énergie, remplis de divinités rouges et bleues à plusieurs membres et d’humains et d’animaux métamorphosés.
