La dernière exposition de Colbert, « MAISON DU HOMARD » au Musée Archéologique National de Naples, fusionne son œuvre unique avec des antiquités anciennes de la collection du musée. L’Observatoire de l’Europe Culture a rencontré l’artiste…
Aux yeux de la plupart, le homard n’est qu’une créature fascinante à admirer derrière les parois vitrées d’un aquarium. Ou potentiellement une délicieuse friandise savourée dans un restaurant chic.
Mais pour le célèbre artiste pop britannique Phillip Colbert, le homard transcende ses royaumes aquatiques et culinaires pour devenir quelque chose de bien plus profond : il représente son alter ego artistique.
« Je suis devenu artiste en devenant Homard », précise Colbert.
» Ayant grandi en Écosse, j’étais très loin de Walt Disney et du monde pop américain. C’est ainsi que mon imagination a pris le dessus. Aller au bord de la mer était mon équivalent à aller à Walt Disney et le homard était juste cette créature ressemblant à un extraterrestre qui j’ai vraiment captivé mon imagination. »
Avec sa teinte rouge vif, son allure surréaliste et son rôle important dans l’histoire de l’art, le homard occupe une place centrale dans l’univers hyper pop imaginatif de Colbert, servant à la fois de muse et de motif dans son œuvre éclectique.
Le mois dernier, Colbert a dévoilé son dernier spectacle, « MAISON DU HOMARD », une nouvelle exposition présentée au Musée archéologique national historique de Naples. L’exposition présente certaines de ses dernières créations – sculptures, peintures et bien plus encore – intelligemment présentées aux côtés d’antiquités anciennes de la collection du musée.
Avant son ouverture, L’Observatoire de l’Europe Culture a eu le plaisir de rencontrer le « Lobster Man » lui-même dans son studio londonien, un vaste terrain de jeu fantaisiste rempli de créations inventives. Nous y avons plongé en profondeur dans son univers artistique coloré et découvert son engouement profond pour le curieux crustacé cramoisi.
L’Observatoire de l’Europe Culture : Vous êtes né en Écosse et avez passé beaucoup de temps au bord de la mer. Comment votre éducation a-t-elle façonné votre production artistique ?
Phillip Colbert : Je pense que mon éducation a vraiment influencé ma production artistique dans la mesure où je suis né en Écosse, qui est un pays de mythes, de contes de fées, de légendes, du monstre du Loch Ness et un pays d’histoire et de narration.
Et puis mon lien avec les espèces de homards est vraiment venu, car ayant également grandi en Écosse, j’étais très loin de Walt Disney et du monde pop américain. Et c’est ainsi que mon imagination a pris le dessus. Aller au bord de la mer était mon équivalent à aller à Walt Disney et le homard était justement cette créature ressemblant à un extraterrestre qui a vraiment attiré mon imagination.
Enfant, je me sentais très connecté à l’art. C’est le sujet qui a vraiment créé le lien. J’étais fasciné par l’idée de ces cadres magiques, de ces fenêtres, qui pouvaient présenter comme ce chef-d’œuvre une vision du monde.
Que représente pour vous le homard ?
En tant qu’artiste, j’étais obsédé par la communication à travers des symboles et le homard, symbole rouge vif de la mortalité et du surréalisme, m’a vraiment frappé. Plus tard, je suis devenu obsédé par ce symbole, puis les gens ont commencé à m’appeler Lobster Man.
Le homard résume si brillamment l’idée de mortalité par le fait qu’il devient rouge lorsqu’il est mort et qu’il devient si emblématique lorsqu’il est rouge.
En réalité, pour moi, ma personnalité de homard n’est que le reflet de la liberté de l’identité artistique. En tant qu’artiste, je suis vraiment libre de transcender en une création de ma propre imagination. Et je pense que le homard est ma propre coquille artistique de mon identité.
Mais j’ai aussi fait beaucoup de choses avec les espèces. J’ai soutenu des écloseries de homards et j’ai élevé des homards pour les relâcher dans la nature.
Comment le homard a-t-il été utilisé tout au long de l’histoire de l’art ?
Pour moi, le homard est vraiment un symbole phare de l’histoire de l’art. Cela remonte au début de l’Antiquité où dans l’ancienne Pompéi il y avait de nombreuses fresques et mosaïques représentant le homard, dont les plus importantes seront exposées dans le cadre de mon exposition « Maison du homard » au Musée Archéologique de Naples.
Mais ensuite, dans la période des natures mortes aux Pays-Bas, le homard est réapparu comme un symbole de mortalité très important. Et puis évidemment plus latéralement dans la période surréaliste, le homard a eu une énorme influence. Il y a les grandes histoires mythologiques de Gérard de Nerval, le poète surréaliste français, qui avait un homard de compagnie et se promenait dans le métro parisien avec le homard de compagnie en laisse.
Et évidemment Salvador Dalí était un grand protagoniste de la communication sur le homard. Il a fabriqué le téléphone à homard, a mis le homard sur une robe et a représenté des homards dans de nombreuses peintures. Beaucoup de ses dîners performatifs comportaient d’énormes festins de homards. Le homard était presque sa grande muse.
Comment votre identité artistique se manifeste-t-elle dans votre travail ?
Vraiment pour moi, ma personnalité de homard n’est que le reflet de la liberté de l’identité artistique. En tant qu’artiste, je suis vraiment libre de transcender en une création de ma propre imagination. Je pense qu’en tant qu’humains, nous avons la possibilité de présenter notre identité par la façon dont nous nous habillons, la façon dont nous nous présentons, et de porter efficacement ces masques d’identité. Et je pense que dans le domaine créatif, la liberté d’identité est encore accrue.
Au 21ème siècle, ma liberté artistique me permet de devenir ce personnage et cette personnalité et d’explorer les dimensions de l’art en tant que plateforme à travers le temps. Je fusionne des éléments de l’Antiquité avec des références contemporaines dans mes peintures, comme dans mes peintures de batailles d’IA, où l’on peut voir des références à la restauration rapide et à la culture hyper pop, associées à des éléments de l’Antiquité.
Et j’aime l’idée de la peinture métaphysique – l’art comme moyen d’explorer ce que signifie être vivant, d’une manière légèrement plus libre et plus perspicace, au-delà du concept linéaire du temps. La vraie réalité du temps est très différente de cette idée de passé, de milieu et de fin. Nous vivons dans les vestiges du passé, façonnant notre présent et définissant notre réalité.
En fin de compte, je pense que l’art est une opportunité de promouvoir la liberté et de créer un langage, ce qui est passionnant pour les humains, d’avoir un langage culturel plus riche sur lequel débattre et contribuer.
Que peut-on attendre de votre dernière exposition « MAISON DU HOMARD » au Musée Archéologique de Naples ?
Ma nouvelle exposition, « Maison du homard », est très excitante pour moi personnellement, car de nombreuses œuvres du Musée archéologique de Naples sont, à mes yeux, les modèles de l’histoire de l’art. Mon objectif était de créer un dialogue entre le nouveau et l’ancien.
Les pièces importantes, évidemment pour moi, incluent la mosaïque de homard marin de Pompéi, car c’est l’un des premiers grands chefs-d’œuvre représentant le symbole du homard. Mais aussi la grande mosaïque d’Alexandre le Grand, qui est une scène de bataille chef-d’œuvre. Ces œuvres ont jeté les bases de l’histoire de l’art occidental, que, d’une certaine manière, de nombreux peintres de la Renaissance ont regardé en arrière et copiée.
Je présente donc quelques nouvelles peintures de bataille IA qui sont en conversation avec la remarquable scène de bataille d’Alexandre le Grand. J’ai utilisé l’analogie de la scène de bataille comme une tension esthétique. Je peux opposer mes personnages de homard à ces mutants que j’ai créés à l’aide de la technologie de l’IA. C’est donc un combat personnel entre ma créativité et ensuite la créativité aidée par l’IA.
Et puis je montre de nouvelles sculptures de homard et de nouvelles sculptures en marbre, qui seront à nouveau présentées dans le contexte des chefs-d’œuvre des marbres antiques de la collection.
Êtes-vous inspiré par la musique? Est-ce qu’il vous arrive d’écouter de la musique pendant que vous travaillez ?
Oui, j’écoute toujours de la musique quand je travaille. Parfois, lorsque j’entends un bon morceau de musique, je pense souvent que c’est à cela que je veux que ma peinture ressemble. Les grands arts visuels, tout comme la grande musique, devraient partager cet esprit de défi contre la condition humaine. Le fait que grâce à l’art, nous pouvons transcender les limites de nos réalités.
Alors parfois, quand j’écoute de la bonne musique, je pense que c’est une excellente référence pour ce qu’une peinture ou une sculpture devrait faire. Je pense que cela devrait, espérons-le, atteindre le même sentiment d’esprit et d’énergie que celui qui peut communiquer aux gens.
Y a-t-il des artistes de musique contemporaine que vous avez actuellement en rotation ?
En termes de musique contemporaine, je suis tellement dans mon propre terrier que j’ai du mal à être toujours en contact avec les dernières nouveautés. Mais il est certain qu’au fil du temps, il y a eu des musiciens que j’ai constamment accompagnés. Quand j’étais plus jeune, je me souviens avoir été obsédé par Radiohead, puis par Nirvana. J’étais même obsédé par Chopin et les Beastie Boys.
Lors d’une conversation avec l’artiste britannique Jon Burgerman l’année dernière, il a partagé son expérience de la synesthésie, mentionnant qu’il pouvait presque entendre les paysages sonores de ses peintures. Comment pensez-vous que vos dernières œuvres à Naples sonneraient ?
J’aime l’idée d’une œuvre d’art ayant un paysage sonore. Et je pense que le concert de Naples serait définitivement une sorte d’hybride stéroïde étrange d’un grand orchestre mélangé à ce genre de DJ électronique et saturé faisant des remix expérimentaux très fous.
Que pensez-vous de l’évolution du paysage du monde de l’art avec la popularité croissante et les progrès continus de l’IA ?
Je pense que la nouvelle situation évolutive de l’IA et de l’art est très excitante et très perturbatrice, ce qui m’a complètement attiré vers elle parce qu’il s’agit de ce nouveau médium artistique fou et stéroïdien. Cette tension entre la créativité individuelle de chacun et ce système que l’IA peut vous renvoyer, avec autant d’itérations de votre propre pensée en hypervitesse, est très intéressante.
Donc je suppose que, comme beaucoup de choses aujourd’hui, c’est une chose très dualiste. C’est incroyablement excitant, incroyablement perturbateur, mais aussi assez effrayant d’une certaine manière. Mais fondamentalement, pour moi, c’est une opportunité créative assez passionnante, par exemple avec mes peintures de combat IA. L’IA a donc définitivement ouvert de nombreuses portes et stimulé de nombreuses réflexions.
