Du soleil géant et brillant aux installations immersives qui ne peuvent pas être photographiées, en passant par les anciennes lunettes de neige arctiques et les textiles inspirés des missions Apollo, l’exposition couvre des siècles d’imagination humaine.
Depuis le moment où les premiers humains ont regardé vers le haut et ont essayé de donner un sens au ciel, le soleil et la lune ont été au centre de tout : la foi, la chronologie, l’agriculture, la mythologie et l’art.
Cet été, la nouvelle exposition majeure de la Saatchi Gallery, Le Soleil et La Lune tente quelque chose d’assez ambitieux : rassembler tout le spectre de la fascination humaine dans neuf espaces de galerie répartis sur deux étages et le présenter à travers les yeux de plus de 170 artistes.
Il s’agit du deuxième volet de la série de Saatchi examinant comment le monde naturel nourrit la pratique créative, après l’énorme succès de l’année dernière. FLEURS – La flore dans l’art et la culture contemporaine.
« C’est tout un voyage de 24 heures à travers les yeux d’artistes et de créateurs », a déclaré la commissaire Katherine Benson à L’Observatoire de l’Europe Culture lors de la visite de presse de l’exposition. « Ces constantes célestes ont fait partie de nos vies tout au long de l’histoire de l’humanité, et nous voulions explorer toutes les différentes façons dont les artistes s’en sont inspirés. »
Une journée dans neuf chambres
L’exposition tentaculaire est intelligemment structurée comme un cycle complet de 24 heures – emmenant les visiteurs de l’aube au coucher du soleil jusqu’au plus profond de la nuit – chaque galerie reflétant une partie différente de la journée et les histoires qui y sont attachées.
Il s’ouvre sur des œuvres de Patrick Caulfield, Barbara Hepworth et Sinta Tantra avant de passer à Aubequi retrace comment les premières cultures comprenaient le soleil et la lune comme des forces cosmiques.
Les artefacts comprennent un buste celtique Sol Invictus du 1er siècle avant JC, une réplique du Nebra Sky Disc, un grand tissu de l’Inde du 17e siècle représentant le soleil, présenté aux côtés de pièces contemporaines comme des costumes de l’Opéra Royal.
D’autres salles explorent le rôle du soleil dans l’horlogerie et l’agriculture, les rituels de la culture estivale et le poids émotionnel du coucher du soleil.
À mi-chemin de l’exposition se trouve l’époustouflant Héliosune sphère géante illuminée de six mètres réalisée par l’artiste britannique Luke Jerram. Il est construit à partir de 400 000 photographies du soleil fournies par l’astrophotographe Dr Stuart Green ainsi que d’observations de la NASA.
Les visiteurs sont invités à s’enfoncer dans des transats en dessous et à lever les yeux tandis que l’œuvre brille lentement au-dessus de leur tête, tandis qu’une bande sonore d’ambiance spécialement composée par Duncan Speakman et Sarah Anderson se répercute dans l’espace. C’est un endroit parfait pour contempler l’univers, ou, si vous avez fait le plein d’art pour la journée, un endroit plutôt idéal pour une sieste !
« J’espère que l’œuvre inspirera admiration et émerveillement », dit Jerram, « et incitera les visiteurs à considérer l’importance du soleil dans toutes nos vies ; pour la lumière, la chaleur, l’énergie pour notre planète et comment notre étoile la plus proche a inspiré la culture et la religion à travers l’histoire. »
Les femmes derrière l’alunissage
La seconde moitié de l’exposition se tourne vers la Lune, en commençant par ses phases et son observation à travers l’histoire, avant d’arriver à Marcher sur la Lune – une galerie dédiée à l’héritage culturel des missions Apollo et aux histoires moins connues qui se cachent derrière elles.
Sa pièce maîtresse est Atterrissage sur la Luneune collaboration extraordinaire entre l’artiste textile Margot Selby et la compositrice Helen Caddick. L’œuvre rend hommage aux femmes Navajo qui ont tissé les circuits intégrés et aux femmes de l’usine de Raytheon qui ont câblé les cœurs de mémoire d’Apollo 11 – des contributions qui ont été, pendant des décennies, largement méconnues.
La partition de Caddick est construite autour de la logique du tissage lui-même. « Margot m’a dit qu’elle utilisait du code binaire dans son tissage, ce que j’ai trouvé fascinant », dit-elle. « Je l’ai donc composé pour deux harpes, deux violoncelles et deux violons – ils fonctionnent comme un code binaire. Très souvent, lorsque la première harpe se repose, la seconde joue. » La pièce se déroule en six sections, depuis l’installation tranquille d’une tisserande devant son métier à tisser jusqu’à la cacophonie de l’atterrissage du vaisseau spatial.
Le textile lui-même, tissé par Selby et six membres du studio pendant quatre mois, contient plus de 30 000 fils individuels et répond directement à la musique, section par section.
« Les choix de couleurs sont instinctifs », explique Selby à L’Observatoire de l’Europe Culture, « mais les rythmes et les motifs sont tous en réponse directe à la musique ».
Un lien pour écouter ou télécharger la magnifique composition de Caddick est disponible ici.
De nouvelles voix
Par ailleurs, l’artiste mixte britannique zambien Kay Gasei, lauréat du Soho House Art Prize en 2021, propose une réflexion plus intime sur la Lune à travers son travail. Série Moonlight numéro quatre : Garçon au bord de la piscine.
À la fois portrait de famille et conte mythologique, le tableau (l’un d’une série de quatre) s’inspire de souvenirs d’aventures d’enfance après la tombée de la nuit.
« Il s’agit d’espièglerie, de jouer la nuit », explique Gasei. « Je me suis enfui plus d’une fois quand j’étais enfant. J’ai disparu pendant quelques heures, mais je savais où j’étais. »
L’émission élargit également la conversation au-delà des récits occidentaux familiers. La designer et artiste Sakha Aina Petrova présente son projet URSUUNA – interprétations contemporaines des lunettes de neige traditionnelles de l’Arctique – parmi les premières formes de protection oculaire jamais créées.
Développés pour prévenir la cécité des neiges pendant les longs hivers arctiques, les objets deviennent des symboles à la fois de survie et d’identité culturelle.
Autrefois sculptés dans le bois et l’os, Petrova les réinvente en argent et en laiton. Ses œuvres sont exposées aux côtés d’une paire de lunettes originale, datant d’environ 1000 ans.
« Je voulais renouer avec mes racines et mes ancêtres », explique Petrova. « C’est qui je suis. »
Et si vous la croisez à l’exposition, demandez simplement – elle sera plus qu’heureuse de vous laisser essayer une paire par vous-même (et oui, vous pouvez réellement voir à travers elles étonnamment bien).
« J’aimerais que les gens partent avec l’envie d’en apprendre davantage sur la République de Sakha et sa culture. Plus de visibilité pour les peuples autochtones du monde entier – cela semble important », dit-elle.
Installations qui ne peuvent pas être photographiées
Les galeries finales, Minuit et Les heures les plus sombresdescendez pleinement dans les domaines du folklore, du rêve et de la perception.
Ici, les œuvres d’artistes de renom, dont Paula Rego et Joan Miró, culminent dans deux superbes installations immersives du collectif d’art de renommée internationale teamLab. Les deux œuvres font partie de leur série « Cognitive Sculpture ».
« C’est assez difficile à expliquer avec des mots. Le meilleur moyen est d’être à l’intérieur de l’espace », déclare Takashi Kudo, directeur mondial de la marque teamLab.
« Lorsque vous entrez dans cette installation, vous verrez de nombreuses formes lumineuses, presque anonymes, semblables à des sphères. Mais elles n' »existent » pas au sens traditionnel. Elle est faite de lumière et d’environnement. Même si vous essayez de les toucher, vous ne pouvez pas. Il n’y a pas d’objet physique, mais nous pouvons les percevoir comme s’ils existaient », explique-t-il.
Dans leur installation Soleils sans masse et soleils sombres, des sphères lumineuses semblent flotter dans l’espace de la galerie. Mais ils ne peuvent pas être photographiés et ne sont pas immédiatement visibles de manière stable. Ils ne se révèlent qu’après avoir passé du temps à les chercher.
Comme l’explique Takashi, « ils existent, même si on ne peut pas les photographier. On ne peut en parler qu’avec d’autres personnes qui y sont allées ». C’est ce que teamLab appelle la « sculpture cognitive » : un art qui n’est pas formé à partir de matériaux, mais à partir de l’interaction entre la lumière et l’espace.
C’est la fin idéale d’un brillant spectacle sur le ciel : quelque chose qu’il faut vivre en personne pour le croire.
« J’espère que le public enlèvera un sentiment de connexion », a déclaré Benson de l’équipe de conservation.
« Nous essayons tous de nous retrouver dans le monde et l’univers. Espérons que voir comment les gens ont été inspirés tout au long de l’histoire par le Soleil et la Lune permettra aux gens de se sentir un peu plus connectés – au monde et à ceux qui les entourent. »
Le Soleil et la Lune : un art inspiré du céleste est exposée à la Saatchi Gallery de Londres jusqu’au 8 septembre 2026.
