Jonathan Glazer

Jean Delaunay

Le nazisme vu de l’intérieur par Jonathan Glazer

Auschwitz, 1944. Dans « La Zone d’intérêt », Jonathan Glazer nous entraîne au cœur de la vie familiale du commandant du camp d’Auschwitz. Un regard contemporain et effrayant sur la banalité de l’horreur. Le film est sorti maintenant. Un choc. Revue et entretien avec le réalisateur Jonathan Glazer.

Il y a des films qui laissent une trace indélébile. Il y a un avant et un après la vision de ce type d’œuvre unique qui change le regard sur une époque proche ou lointaine, une idéologie politique ou religieuse, une idée de l’humanité, de sa grandeur comme de son horreur. Et « La Zone d’Intérêt » en fait certainement partie.

Le film, en sélection officielle à Cannes, a remporté seulement, si j’ose dire, le Grand Prix du Jury (c’est-à-dire la Palme d’Argent), mais aussi le Prix de la Presse FIPRESCI, gage d’excellence et de vision innovante d’un auteur.

Jonathan Glazer n’est bien sûr pas un inconnu, mais le grand public ne l’a découvert que pour son précédent film, son quatrième long métrage, « Under the Skin », une fiction ultra brillante qui envoie l’extraterrestre Scarlett Johansson sur terre sous forme humaine afin de se régaler de l’énergie et de la chaleur humaine, notamment sexuelle. Entre film fantastique sous acide et road movie existentiel, images hiératiques et réalité documentaire, c’est l’un des films les plus intrigants jamais vus sur l’altérité et aussi, in fine, sur le mystère de la création. Il a également signé les clips de Radiohead, Jamiroquai, Massive Attack et Blur, entre autres, mais « The Zone of Interest » restera comme le premier film qu’il a réalisé et qu’il a également écrit seul, même si le scénario est une adaptation du livre éponyme de Martin Amis, décédé le jour même de sa première mondiale à Cannes.

Palme ou pas, « La Zone d’intérêt » restera dans l’histoire du cinéma comme l’un des films majeurs sur la Shoah, renversant les représentations et les points de vue, livrant une vision de l’enfer implacable dans la forme comme dans le fond.

En plaçant le spectateur dans le rôle d’un entomologiste – le film est entièrement constitué de plans fixes, prouesse esthétique et narrative – de la vie de famille de Rudolf Höss, chef du camp SS d’Auschwitz en 1944, on voit l’horreur de travail, à la place des nazis qui sont du bon côté du mur, nous rappelant tous les compromissions, aveuglements et fanatismes dont l’être humain est capable.

La performance de Sandra Hüller en mère bourgeoise accomplie est, en ce sens, scandaleusement odieuse. La scène où elle essaie les manteaux des femmes juives gazées de l’autre côté du jardin est peut-être le point culminant du film. L’appareil photo de Glazer remplace le miroir dans lequel elle se regarde et, s’admirant comme une dame du monde en vison, elle regarde directement l’appareil photo ; en fait, c’est son âme putride qu’elle montre au spectateur. La bande-son ambiante est le bruit industriel de l’usine qui brûle les Juifs.

Le film est rythmé par une musique contemporaine de Mica Levi (qui a également écrit la bande originale d’Under the Skin) qui, comme le film lui-même, cisèle et fait écho aux désirs sombres de l’humanité à travers une partition qui joue sur les dissonances comme autant de fissures dans l’harmonie apparente que Glazer dépeint à travers la vie bourgeoise et hors-sol de la famille nazie.

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Le film vient d’être nominé pour 5 Oscars, dont deux nominations dans les catégories les plus prestigieuses du meilleur film et de la meilleure réalisation, ainsi que la nomination de Sandra Hüller pour l’Oscar de la meilleure actrice.

Nous avons rencontré le réalisateur à Cannes, peu après qu’il ait reçu le Grand Prix du Jury. Une interview rare et lucide.

L’Observatoire de l’Europe : C’est une véritable coïncidence si Martin Amis est décédé le jour même de la première projection à Cannes. Sa mort ne symbolise-t-elle pas une nouvelle vie pour son livre ?

Jonathan Glazer : C’est comme une seconde vie, oui. C’est intéressant ce que tu dis. C’est ce que j’ai ressenti en apprenant la nouvelle. Nous avons appris que Martin Amis était très malade quelques semaines avant Cannes et nous sommes depuis en contact avec sa femme. Nous avons réussi à procurer à Martin Amis une copie du film pour qu’il puisse le voir. Mais oui, c’est une très étrange coïncidence.

L’Observatoire de l’Europe : C’est votre premier film depuis 10 ans (Under the Skin). Je suppose qu’il a fallu autant de temps pour embrasser une histoire comme celle-ci…

Jonathan Glazer : C’est vrai. C’est certainement ce qui m’est arrivé avec ce projet, il a fallu que je prenne le temps qu’il me fallait. Vous ne pouvez pas prendre quelque chose comme ça à la légère. Je pense que j’ai passé les deux premières années à lire, en fait, avant même de savoir ce que j’allais faire ou quoi que ce soit d’autre. Je viens de lire et d’imaginer. C’est un sujet tellement vaste, et j’avais aussi besoin de comprendre pourquoi ou ce qui m’avait attiré vers ce sujet, parce que c’est ce qui s’est passé. Le sujet et le cœur de l’histoire viennent à vous, vous n’y venez pas. Ensuite, j’ai essayé de comprendre ce que je pensais pouvoir faire. Voir ce que je n’avais jamais vu auparavant, avec un point de vue différent, une perspective différente. Parce qu’il est si important que cette histoire soit racontée encore et encore par et pour chaque génération. J’espère qu’un jour nous n’aurons plus à le raconter, mais malheureusement ce jour n’est pas encore venu. Puis, quand j’ai lu le livre de Martin, j’ai vu qu’il avait écrit un livre du point de vue des protagonistes. Pour moi, c’était la clé de mon propre point de vue et de ma propre direction.

L’Observatoire de l’Europe : « La Zone d’Intérêt » est un film qui ose les choix esthétiques et narratifs, dans sa musique, sa photographie et son montage. Vous aviez envie de faire un film résolument contemporain ?

Jonathan Glazer : Oui, exactement. Je voulais faire un film sur ce moment. Je n’avais aucun intérêt à faire un film sur ce sujet qu’on puisse quitter en toute sécurité en se disant : « C’est arrivé il y a longtemps. Cela n’a plus rien à voir avec nous ». Mais ce n’est pas le cas. L’histoire se déroule dans les dernières années de la guerre, mais le camp d’Auschwitz, ainsi que la maison et le jardin dans lesquels se déroule le film, étaient encore très récents, quelques années tout au plus. Le camp avait cinq ans et je veux dire que tout était nouveau. Il s’agissait de nouveaux bâtiments qui venaient d’être construits. Je voulais en quelque sorte faire correspondre cela, recréer cela, puis trouver un moyen de le filmer avec un objectif du 21e siècle, vraiment. Décrire cette histoire comme quelque chose d’actuel, de récent.

L’Observatoire de l’Europe : Avec ce décor et cette famille modèle, vous montrez en gros la banalité du mal telle que conceptualisée par Hannah Arendt. Et ce mal, dans votre film, est finalement entièrement hors champ ?

Jonathan Glazer : Exactement. L’horreur est hors écran. Je pense que les gens sont moins touchés, voire insensibles à certaines images que nous avons tous vues. Je ne voulais certainement pas recréer cette imagerie. Je ne voulais en aucun cas les reproduire. Ce n’était pas la bonne chose à faire pour moi. Et je ne pense pas que ce soit la bonne chose à faire dans ce contexte. Mais je savais que ce son allait apporter cette dimension. Quand j’ai commencé à travailler plus loin, dans une perspective évocatrice, j’ai compris que le son était essentiel et qu’il allait cimenter le film et nous faire prendre conscience tout au long de l’horreur qui se perpétrait. Le son a le pouvoir de le faire.

L’Observatoire de l’Europe : Il y a aussi le couple central de la famille nazie, interprété par Sandra Hüller et Christian Friedel, deux acteurs allemands. Quelles instructions leur avez-vous données pour incarner des personnages aussi méprisables ?

Jonathan Glazer : C’était très intéressant. Sandra est évidemment une actrice fantastique et elle a complètement incarné le rôle d’Hedwig Höss. Et physiquement aussi, au point de lui ressembler. Christian Friedel aussi, avec une interprétation plus intérieure, plus silencieuse, mais néanmoins très sensible. C’est très étrange, mais je les ai choisis en fonction de ce que je comprenais des personnages qu’ils incarnaient, des personnes qu’ils représentaient. Ensuite, mon travail consistait à passer au second plan et à leur faire oublier que nous étions là avec toute l’équipe technique. La maison est donc devenue la leur, elle était grande et nous avons pu les laisser évoluer sans que nous soyons physiquement là. Nous avons filmé, bien sûr, et vu sur le moniteur comment ça se passait, mais je voulais surtout qu’ils s’enfoncent dans leur rôle et leur environnement, qu’ils vivent comme leurs personnages au final, au présent, sans avoir à se soucier de tout l’attirail du cinéma, et d’évoluer dans leur maison sous nos yeux. Nous n’avons pas utilisé de lumières supplémentaires ni d’autres astuces. Nous voulions avant tout que ce film soit le moins auteur possible.

Interview de Frédéric Ponsard.

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