Toutes les couvertures de livres se ressemblent-elles aujourd’hui ? L’Observatoire de l’Europe Culture passe sous le couvert de la poussière avec ceux qui les conçoivent.
Allez dans n’importe quelle librairie et vous verrez un assortiment de styles de design.
Il y aura de grandes couvertures de texte en gras et en blocs ; l’image abstraite couvre ; le lettrage dessiné à la main dans des couvertures en double cadre ; la photographie couvre.
Tous ces éléments tentent de vous communiquer quelque chose. C’est la première opportunité pour les éditeurs de transmettre aux lecteurs des informations sur le genre, les thèmes, les livres similaires et même l’âge et le sexe du lecteur.
Une bonne couverture peut aider un livre à atteindre son public cible, tandis qu’une mauvaise couverture peut être la raison pour laquelle un nouvel auteur n’a jamais la possibilité de publier une suite.
Mais cela n’a pas toujours été comme ça. Jusqu’au 19e siècle, les couvertures de livres n’étaient qu’un simple morceau de papier supplémentaire destiné à protéger le livre des dommages et de la poussière avant son achat.
« C’est de là que vient le terme « jaquette » pour décrire les couvertures détachables qui figurent aujourd’hui sur les livres cartonnés », explique le Dr Michael John Goodman, designer et expert en culture imprimée.
« Ces livres étaient emballés dans du papier ordinaire, et quand un lecteur les ramenait à la maison, il déchirait cette jaquette comme le papier cadeau d’un cadeau d’anniversaire », dit-il, faisant remarquer que l’un des effets secondaires malheureux de cette pratique est rare aujourd’hui. que les historiens puissent étudier.
Tout a changé lorsque le périodique littéraire britannique « The Yellow Book » a commencé à publier des jaquettes avec des images, conçues par Aubrey Beardsley, en 1894.
Au début controversée, la méthode du « Livre jaune » a fait son chemin et, au début du XXe siècle, la conception de couvertures de livres était une forme d’art établie.
130 ans après que « Le Livre Jaune » ait changé le design de la couverture du livre, l’une des couvertures de livre les plus remarquables qui a retenu l’attention des lecteurs était celle du best-seller de Rebecca F. Kuang, « Yellowface ».
La satire de Kuang sur la diversité raciale dans l’industrie de l’édition a été saluée pour son écriture incisive, mais son succès a sans aucun doute été également influencé par sa couverture visuellement touchante : deux yeux fixés sur un fond jaune vif.
C’est simple mais ingénieux. La couverture était l’un des quelque 75 designs créés par une équipe de quatre personnes, explique Ellie Game, directrice artistique adjointe chez HarperCollins Publishers.
Compte tenu du dossier un an avant la publication, Game et les trois autres concepteurs savaient que les attentes étaient élevées pour « Yellowface ». L’éditeur était enthousiasmé, mais « cela signifie généralement qu’ils deviennent très nerveux à propos de la couverture », dit-elle. Dans le mémoire, on leur disait qu’il devait ressembler à un « gros livre ».
« C’est une phrase classique, qui signifie essentiellement : ‘Est-ce que ça peut ressembler à rien d’autre, mais aussi à tout le reste ?' », explique Game.
Des mémoires comme celui-ci sont typiques de la corde raide que tous les concepteurs de livres parcourent entre l’expression artistique et une commercialité averse au risque.
« Les couvertures de livres et le design se situent à une intersection fascinante entre l’art et le commerce », explique Goodman.
En tant qu’une des principales formes de publicité des éditeurs, les décisions concernant l’apparence d’un livre doivent prendre en compte bien plus que les préférences personnelles de l’auteur et des concepteurs.
Game convient que « les designers veulent toujours faire quelque chose de légèrement différent et qui fait avancer les choses », tandis que les détaillants sont souvent plus intéressés par les styles familiers qui indiquent aux consommateurs ce qu’ils achètent.
« Il peut parfois être difficile de faire quelque chose qui semble très différent, car vous courez alors le risque que les gens ne sachent pas de quoi il s’agit. Et ce n’est pas familier. Alors ils ne l’achètent pas », dit-elle.
C’est pourquoi il existe une poignée d’idées de modèles standard que chaque concepteur peut citer comme référence pour certains genres. En tête de liste se trouve le trope de la « femme qui s’éloigne », utilisé dans presque tous les romans historiques destinés au public féminin.
Copies de couverture
D’autres genres sont coupables de stéréotypes similaires. Depuis le succès de la série «Thursday Murder Club» de Richard Osman, ce que l’on appelle le «cosy crime» a explosé, tous copiant une combinaison d’écriture manuscrite et de petits éléments visuels pour leurs couvertures, note Goodman.
Ensuite, il y a les thrillers qui utilisent généralement le nom de l’auteur dans une énorme typographie sur une image fade, ou les œuvres intellectuelles de non-fiction, comme « Atomic Habits » et « Sapiens », qui présentent toutes des fonds crème et des images clairsemées de quelque chose de vaguement académique. .
Le plus souvent, les éditeurs veulent simplement donner la priorité au texte le plus gros possible pour vendre le titre et l’auteur, en le plaçant au-dessus d’une image générique. Pourtant, même lorsque les concepteurs essaient quelque chose de différent qui fonctionne, les éditeurs peuvent toujours s’inquiéter du risque.
Elisha Zepeda est une créatrice de livres indépendante. L’agence avec laquelle il travaille a été informée par un éditeur que son titre à succès présentait un design complexe avec des images se mêlant au texte. « Mais depuis que nous avons obtenu cette approbation, ils n’ont rien approuvé d’autre de ce genre », dit-il.
Il perd également régulièrement des combats contre le trope de la « femme qui s’en va », notant que les personnes non blanches sont sous-représentées sur ces couvertures. « Tout finit par ressembler à la même chose. J’ai l’impression que les best-sellers deviennent des best-sellers parce qu’ils sont différents. Non pas parce qu’ils ressemblent au livre précédent que vous essayez de commercialiser », dit-il frustré.
Ces derniers mois, Zepeda est devenu viral grâce à sa chaîne TikTok qui éclaire le processus de conception de couvertures de livres. À plus de 300 000 abonnés, il crée différentes options de mémoires avant de présenter celle que les éditeurs choisissent officiellement. C’est l’une des montres les plus satisfaisantes de la plateforme et s’inscrit parfaitement dans la tendance populaire #BookTok.
Les lecteurs s’intéressent de plus en plus à la littérature via les réseaux sociaux, ce qui a eu un impact sur la manière dont les designers abordent leurs briefs. Alors que les gens comparent leurs livres sur TikTok ou Instagram, les éditeurs ont remarqué qu’une couverture audacieuse et évocatrice vendrait mieux leurs livres sur ces sites.
« Je pense que le livre continue de devenir un objet convoité », déclare Game. « Les gens veulent des choses qui semblent agréables et qui valent la peine de dépenser leur argent. Ils veulent quelque chose qui va rester sur leur étagère et qui soit un très bel objet au-delà d’un simple bon livre.
L’une des conséquences de la croissance des médias sociaux en tant qu’outil publicitaire pour les éditeurs est que nombre d’entre eux ne publient plus de couvertures différentes selon les territoires. Un point de fierté pour Game est que sa couverture pour « Yellowface » est celle utilisée dans chaque région où le livre est imprimé. Bien qu’il s’agisse d’une pratique croissante, Goodman notant sa préférence pour la version américaine du dernier livre de Max Porter, « Shy ».
Goodman souligne le succès des liseuses électroniques comme Kindle comme un autre facteur qui a poussé les éditeurs à accorder « une plus grande importance à la conception du livre afin que le livre physique devienne un objet matériel désirable, distinct de son homologue numérique ».
Alors que les éditeurs et les détaillants auront toujours le marché à l’esprit – parfois les couvertures sont même dictées par le type de magasins dans lesquels les livres seront vendus – pour les designers, l’expression artistique est au cœur de leur activité.
«Je ne pense pas que les gens entrent nécessairement dans une librairie pour numériser des titres. Si quelque chose doit vous inciter à choisir le livre, ce sera l’œuvre d’art. Alors pourquoi ne nous concentrons-nous pas sur les œuvres d’art ? », dit Zepeda.
Conscient que les éditeurs doivent veiller à attirer leur marché cible, il se demande aussi si cela n’est pas parfois limitant. « Si vous faites quelque chose qui est, je ne sais pas, beaucoup plus beau en général, vous séduisez ce même public, mais vous séduisez également tous ceux qui trouvent simplement un bon design attrayant. »
C’est un sentiment que partage Goodman, déplorant la similitude des best-sellers. « L’imitation, comme on dit, est la forme de flatterie la plus sincère, et dans un marché extrêmement concurrentiel, les éditeurs sont notoirement réticents à prendre des risques, surtout s’ils ont réussi dans le passé avec un certain design. »
Pourtant, cela ne l’empêche pas d’aimer les bonnes couvertures de livres : « Je traite régulièrement les sorties à la librairie comme si j’allais dans une galerie d’art – mais c’est la meilleure façon de découvrir la nouveauté et certaines des couvertures les plus expérimentales. designs, c’est s’éloigner du top dix.
