L’exposition « 66-76-26 » de Steve McQueen au Musée Guggenheim Bilbao est une sculpture sonore sans image. C’est un lien entre les décennies, l’émotion de l’amour et de la compréhension, et il met également en vedette David Bowie et Nina Simone.
Lorsque vous entrez dans la pièce, il fait sombre. Seulement quelques points lumineux, un tapis moelleux et un son époustouflant. Un coin appartient à Nina Simone. Elle chante acapella, séparée de l’ami de sa fille, David Bowie, qui lui répond avec les mêmes paroles de la même chanson depuis un autre coin.
C’est presque comme écouter sa propre famille tant nous connaissons tous si bien les voix de Simone et Bowie. Ils partagent quelque chose de spécial avec les visiteurs. Deux voix, une émotion. Amour. Mais ce duo n’a jamais eu lieu.
Soyez présent et recevez
Le cinéaste et artiste oscarisé Steve McQueen a entendu Le vent est sauvage pour la première fois il y a 30 ans. La chanson a été écrite par le compositeur Dmitri Tiomkin et le parolier Ned Washington pour le film du même nom de 1957. Plus tard, il fut porté dans un autre registre entièrement par Nina Simone en 1966 puis une décennie plus tard, David Bowie rendit hommage à sa version. Ce que McQueen a le plus apprécié dans ces deux performances, c’est le désir pur – le désir, le besoin, le must.
Sachant que les paroles sont si importantes pour l’artiste, les visiteurs n’ont pas besoin de connaître ni la chanson, ni Simone, Bowie ou McQueen pour profiter de l’exposition, selon sa commissaire, Lekha Hileman : « C’est une exposition très expérientielle. Il s’agit de ressentir, il s’agit d’être présent », a-t-elle déclaré à L’Observatoire de l’Europe Culture. « Il s’agit de ralentir et de simplement recevoir quelque chose. Donc, de cette façon, c’est très universel. »
Comme le disait McQueen, le spectateur est l’autre voix dans l’œuvre.
Comment David a rencontré Nina
Steve McQueen a été inspiré non seulement par la chanson, mais aussi par la façon dont elle a connu tant de nouvelles vies grâce aux générations suivantes d’artistes. Il aime l’histoire de la façon dont Bowie a rencontré Simone en 1975.
« La fille (de Nina Simone) voulait aller au concert de David Bowie, alors elle a traîné sa mère pour l’emmener, et ils se sont rencontrés après. Je pense que (cette) version de Bowie est presque un hommage à Nina. Il y a une certaine sorte d’imitation de sa voix, mais ensuite ça va quelque part », a déclaré McQueen.
La version originale était une chanson de Johnny Mathis, chantée en 1957, qui ne ressemblait en rien à celle de Nina Simone.
« Elle a pris cette chanson et l’a emmenée dans une autre stratosphère. Donc, en réunissant ces deux versions, c’est complémentaire », a déclaré McQueen. « Ils chantent tous les deux en la majeur. Et c’est une de ces choses où j’ai senti qu’en mettant ces deux choses ensemble, ces deux pierres, cela faisait du feu. Et je sais avec certitude qu’ils seraient extraordinaires, heureux de cette collaboration, de ce duo. «
Tension et amour
Le titre « 66-76-26 » fait référence aux années au cours desquelles Simone et Bowie ont respectivement enregistré la chanson, ainsi qu’à l’année de l’exposition au Guggenheim Bilbao lui-même.
Les deux enregistrements, en 1966 et 1976, sont sortis dans des moments de tension politique. L’œuvre invite à réfléchir non seulement sur le pouvoir durable de la chanson, mais aussi sur les conditions sociales et politiques à travers lesquelles ces enregistrements ont voyagé.
Créés dans des périodes marquées par des bouleversements, des incertitudes et des transformations – le mouvement des droits civiques, le Vietnam, le Watergate – les spectacles parlent avec une force particulière du moment présent.
« Particulièrement maintenant, les choses semblent très turbulentes. Et je pense que lorsque les choses sont très turbulentes, les choses auxquelles vous vous accrochez sont celles qui vous sont précieuses, c’est-à-dire l’amour », a déclaré McQueen. « Et encore une fois, je sais que cela semble un peu ringard, mais c’est important parce que c’est la base de nous tous d’une manière, d’une forme ou d’une autre.
« C’est ce dont nous avons envie et c’est ce dont nous avons besoin. Donc revenir à une sorte de compréhension de l’amour est important, du moins pour moi », a expliqué McQueen.
Entre le travail au cinéma et la galerie
Le projet d’accueillir Steve McQueen au Musée Guggenheim Bilbao a commencé il y a six ans et l’exposition a été inaugurée le 9 octobre, jour de son 57e anniversaire.
Peut-être mieux connu pour son travail de cinéaste, McQueen a remporté un Oscar, un Golden Globe et un BAFTA pour son film. 12 ans d’esclave. Il a également reçu plusieurs applaudissements pour Faim dont la Caméra d’Or au Festival de Cannes.
Mais avant ces œuvres marquantes, McQueen s’est fait un nom en tant qu’artiste contemporain pionnier, qui a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise et a exposé notamment aux musées de la Tate de Londres.
Parallèlement à l’exposition, le Guggenheim Bilbao présentera un programme cinématographique dédié à l’œuvre cinématographique de McQueen, offrant au public l’occasion de réfléchir à la relation entre son travail au cinéma et en galerie.
« 66-76-26 » met en lumière les préoccupations qui animent depuis longtemps sa pratique artistique : la perception, l’incarnation, la mémoire, la durée et la capacité de l’art à créer des espaces de réflexion et de rencontre.
L’installation sonore de Steve McQueen « 66-76-26 » du Musée Guggenheim Bilbao est ouvert jusqu’au 13 février 2027.
