Des affiches Belle Époque aux performances artistiques radicales, 2025 a livré des expositions qui ont repoussé les limites et ouvert les dialogues.
Si 2025 prouve quelque chose, c’est que le centre de gravité du monde de l’art est en train de se déplacer. Oui, Paris a produit des superproductions – David Hockney a failli faire pleurer certains critiques à la Fondation Louis Vuitton, tandis que le musée d’Orsay nous a rappelé pourquoi les affiches Belle Époque sont toujours importantes.
Mais certains des moments les plus passionnants de l’année se sont produits en dehors des capitales artistiques traditionnelles : l’Asie centrale a émergé avec des institutions et des événements qui ont changé la donne, avec le lancement par Chypre de sa première foire d’art internationale. De la théâtralité intrépide de Leigh Bowery à la Tate Modern aux confessions crues de Tracey Emin à Florence, ces expositions ont retenu l’attention – non seulement pour ce qu’elles montraient, mais aussi pour la façon dont elles recadraient les conversations sur la place de l’art dans le monde.
L’art est dans la rue au musée d’Orsay
La plongée profonde du musée d’Orsay dans la culture de l’affiche de la Belle Époque semblait étonnamment urgente pour une exposition sur la publicité du XIXe siècle. Rassemblant près de 230 œuvres – Toulouse-Lautrec, Mucha, Chéret et les Nabis – l’exposition retrace comment les affiches illustrées ont transformé Paris en un terrain de jeu visuel. Ce qui l’a fait résonner, c’est l’attention portée à la rue en tant que galerie et champ de bataille : ces colonnes Morris et ces hommes-sandwichs n’étaient pas seulement de charmantes notes de bas de page historiques, ils étaient les médias sociaux de leur époque. L’exposition a intelligemment positionné l’art de l’affiche comme une démocratisation radicale – « l’art pour tous » avant que quiconque ne hashtague l’accessibilité. Organisée avec la Bibliothèque nationale de France, elle constitue la première exposition de cette envergure consacrée aux « Maîtres de l’affiche » et constitue un argument convaincant en faveur d’une prise au sérieux de l’art commercial.
Biennale de Boukhara
La scène artistique contemporaine d’Asie centrale s’est annoncée avec une intention sérieuse lorsque la première Biennale de Boukhara a transformé les madrasas et les caravansérails de la ville ouzbèke en espaces d’exposition. Organisé par Diana Campbell et intitulé « Recettes pour les cœurs brisés », l’événement de dix semaines a réuni plus de 70 artistes internationaux et des artisans ouzbeks locaux, insistant sur une facturation égale pour les deux. Le concept – enraciné dans le mythe d’Ibn Sina inventant le plov pour guérir un prince en mal d’amour – interrogeait intelligemment à qui revient le mérite des pratiques collaboratives. Plutôt que de traiter l’architecture de Boukhara, reconnue par l’UNESCO, comme une simple toile de fond, la biennale a engagé les résidents et les visiteurs dans des conversations sur le patrimoine et l’identité contemporaine. Avec Antony Gormley et Slavs and Tatars aux côtés des créateurs locaux, et un véritable dialogue remplaçant le symbolisme, il a offert un nouveau modèle pour les biennales internationales à une époque de lassitude événementielle.
Leigh Bowery! à la Tate Modern
La célébration de Leigh Bowery par la Tate Modern était une reconnaissance attendue depuis longtemps pour un artiste qui a refusé toute catégorisation. L’exposition s’étendait sur la performance, la culture des clubs, la mode et l’art corporel – parce que Bowery n’a jamais vu de frontières entre eux. Ces « looks » emblématiques (les costumes semblent trop limitatifs) ont été présentés aux côtés de collaborations avec tout le monde, de Lucian Freud à Michael Clark, montrant comment Bowery a réinventé les vêtements en tant que sculpture et son corps en tant qu’outil de changement de forme. Ce qui en ressort est à la fois un portrait de la vie nocturne londonienne des années 1980 et 1990 et une réflexion sérieuse sur la façon dont l’approche intrépide de Bowery en matière de genre, de sexualité et d’esthétique continue de se répercuter. L’exposition n’a pas aseptisé ses provocations ni ses excès ; au lieu de cela, il célèbre la façon dont il a défié les normes de décorum tout en créant une culture visuelle véritablement révolutionnaire.
Foire d’art VIMA
Chypre a eu sa place sur la scène artistique mondiale avec VIMA, la première foire internationale d’art contemporain de l’île. Organisé dans un domaine viticole de Limassol reconverti surplombant la mer, l’événement était d’une intimité rafraîchissante comparé au circuit épuisant Bâle-Miami-Paris. Vingt-sept galeries de Chypre, de Grèce, du Liban, des Émirats arabes unis, du Nigeria, du Royaume-Uni et d’ailleurs ont défendu Chypre en tant que carrefour vital entre l’Europe, le Moyen-Orient et l’Afrique. La liste a impressionné – The Breeder d’Athènes, Tiwani Contemporary, The Third Line de Dubaï – mais ce qui comptait était le véritable dialogue favorisé par VIMA entre les écosystèmes régionaux. Le projet majeur du commissaire Ludovic Delalande, « La Postérité du Soleil », a ancré les choses conceptuellement, tandis que les conférences et les performances maintenaient une énergie élevée. Pour ses débuts, il a frappé bien au-dessus de son poids.
David Hockney, 25 ans à la Fondation Louis Vuitton
Présentée comme se concentrant sur les 25 dernières années, cette vaste exposition remontait avec insolence à 1955, s’ouvrant sur un portrait de Hockney, 18 ans, de son père comptable. Plus de 400 œuvres ont rempli le bâtiment de la Fondation Louis Vuitton de Frank Gehry (l’architecte a eu son propre portrait dans l’exposition), allant de peintures, d’œuvres numériques sur iPhone et iPad et d’installations vidéo immersives. Ce qui aurait pu paraître indulgent démontrait plutôt un artiste toujours en expérimentation, toujours curieux. Les prêts internationaux ont été fulgurants – des institutions d’Oslo à Melbourne ont contribué – et l’implication personnelle de Hockney dans les moindres détails s’est manifestée. Il s’agissait de la plus grande exposition de l’artiste jamais réalisée, et plus que spéciale – un critique a même déclaré avoir été ému jusqu’aux larmes.
Ouverture du Musée des Arts d’Almaty
Parallèlement à la Biennale de Boukhara, septembre a été un autre moment important pour l’art contemporain d’Asie centrale lorsque le Musée des Arts d’Almaty a ouvert ses portes. Financé par l’entrepreneur Nurlan Smagulov et conçu par Chapman Taylor avec des caractéristiques architecturales faisant écho aux montagnes du Tian Shan, ALMA est devenu le premier musée privé d’art moderne et contemporain de la région. L’exposition inaugurale associait une collection de 700 œuvres kazakhes et d’Asie centrale à une rétrospective personnelle d’Almagul Menlibayeva, dont l’exploration du mythe, de la mémoire et de la géographie a donné le ton. Les commandes extérieures de Yinka Shonibare et Jaume Plensa, ainsi que les Artist Rooms mettant en vedette Richard Serra et Yayoi Kusama, ont montré une ambition au-delà de la focalisation régionale. La directrice artistique Meruyert Kaliyeva l’a positionné comme un rassemblement de générations d’artistes, depuis ceux qui ont risqué d’être persécutés sous le régime soviétique jusqu’aux artistes d’aujourd’hui.
Rencontres : Giacometti, Barbican
La série d’un an du Barbican associant Alberto Giacometti à des sculpteurs contemporains semblait véritablement générative plutôt que fantaisiste. Organisé avec la Fondation Giacometti, il a débuté avec Huma Bhabha, suivi de Mona Hatoum (avec Lynda Benglis à venir en 2026), créant des dialogues intergénérationnels autour de la mort, de la fragmentation, de la mémoire et du traumatisme. Les figures allongées d’après-guerre de Giacometti – sa réponse aux ravages de la Seconde Guerre mondiale et sa méditation sur la forme humaine – ont trouvé une réelle résonance auprès des artistes contemporains travaillant à travers leurs propres moments de crise. Le nouvel espace intime permettait de regarder de près plutôt que de se lancer dans des superproductions.
Tracey Emin : Sexe et solitude au Palazzo Strozzi
La première grande exposition institutionnelle italienne de Tracey Emin a apporté son intensité confessionnelle au Palazzo Strozzi de Florence. Organisé par Arturo Galansino, « Sex and Solitude » présentait plus de 60 œuvres à travers des peintures, des dessins, des broderies, des néons et des sculptures. Le cadre était important : les explorations brutes d’Emin sur le corps et le désir créaient des frictions provocatrices avec l’héritage de la Renaissance de Florence tout en la positionnant dans la riche histoire de l’art de la ville. Les œuvres couvrant l’amour, la perte, la maladie et le rétablissement semblaient urgentes, à la fois explicites et exceptionnellement vulnérables. Bien que la portée temporelle des œuvres soit large, Emin a souligné dans une interview accordée avant l’ouverture de l’exposition qu’il ne s’agissait « pas d’une enquête ». « Je n’aime pas faire des enquêtes, des rétrospectives. J’aime vivre maintenant», a-t-elle déclaré.
Kiefer / Van Gogh à la Royal Academy
L’exposition intime de trois salles de la Royal Academy retrace comment Vincent van Gogh hante Anselm Kiefer depuis près de 60 ans. Tout a commencé avec Kiefer, 18 ans, qui a reçu une bourse de voyage pour suivre le chemin de Van Gogh des Pays-Bas jusqu’à Arles en passant par la Belgique. Développée avec le Musée Van Gogh d’Amsterdam, l’exposition a associé les œuvres des deux artistes pour révéler des préoccupations communes concernant la mythologie, la philosophie et le poids de l’histoire, tout en respectant leurs approches distinctes. Les peintures et sculptures monumentales de Kiefer – inspirées du postimpressionnisme pionnier de Van Gogh – ont acquis un nouveau contexte, tandis que les dernières œuvres de Van Gogh de 1890 semblaient nouvellement vivantes. Les nouvelles pièces de Kiefer, exposées pour la première fois, prouvent qu’il exploite toujours cette première rencontre. La présentation ciblée a permis aux téléspectateurs de retracer l’influence sans exagérer la connexion.
Du cœur à la main : Dolce & Gabbana au Grand Palais
La mode a connu son moment muséal lorsque Domenico Dolce et Stefano Gabbana ont investi le Grand Palais de Paris pour célébrer 40 ans de vision maximaliste. Après ses débuts à Milan, « Du Coeur à La Main » s’est déployé sur 1 200 mètres carrés et trois étages à Paris, avec 200 pièces Alta Moda et Alta Sartoria, 300 accessoires faits main et 130 œuvres d’art disposées en 12 tableaux à couper le souffle. Organisé par Florence Müller, il positionne à juste titre l’artisanat de D&G dans le patrimoine artistique plus large de l’Italie. La vue rapprochée de leur talent artistique (ces sièges au premier rang que la plupart d’entre nous ne marquent jamais) a révélé un pur savoir-faire sous l’excès théâtral.
