Les pavillons nationaux qui correspondent aux valeurs fondamentales de Kouoh que sont l’éducation, l’intimité et la réflexion sont ceux qui volent discrètement la vedette cette année.
Aucune Biennale de Venise n’a jamais été apolitique, mais les affaires mondiales ont déjà profondément marqué l’édition de cette année. Une semaine après le début de la 61e exposition internationale d’art, des manifestations ont eu lieu contre la participation de la Russie et d’Israël, des pavillons ont été fermés et des menaces de suppression de financement ont eu lieu.
L’atmosphère est étonnamment en contradiction avec la vision de l’événement du défunt commissaire, résumée dans le thème « En tons mineurs ». Koyo Kouoh avait pour objectif de réorienter le spectacle loin de « la cacophonie anxieuse du chaos actuel qui fait rage dans le monde » pour se concentrer sur des tons plus doux d’émotion, de connectivité et d’ancrage.
Malgré les manifestations très médiatisées, les pavillons et les expositions qui correspondent aux valeurs fondamentales de Kouoh que sont l’éducation, l’intimité et la réflexion sont ceux qui volent discrètement la vedette cette année. Ils sont peut-être moins spectaculaires (à l’exception d’un qui l’est littéralement), mais ce sont eux qui continueront probablement d’attirer les visiteurs tout au long de la Biennale, quelles que soient les cascades politiques environnantes.
Un acte collectif de soin au Pavillon du Japon
En vous approchant du Pavillon du Japon, ombragé par les arbres des Giardini, vous voyez d’autres visiteurs se presser, berçant des poupées dans leurs bras. Il y a des sourires, des rires et des blagues entre inconnus – pas toujours le genre d’émotions associées à l’art contemporain.
Grass Babies, Moon Babies de l’artiste queer nippo-américain Ei Arakawa-Nash est l’une des expressions les plus subtiles et profondes du thème curatorial de Kouoh.
En entrant, les visiteurs sont invités à transporter l’une des 57 poupées – vêtues de combinaisons funky et de lunettes de soleil – à travers les pilotis, les jardins et les espaces intérieurs du Pavillon. Ce faisant, les visiteurs participent à un acte de soin collectif, avec la possibilité de changer les couches des poupées et d’activer un code QR qui délivre un « poème des couches » en fonction de l’anniversaire attribué à chaque bébé.
Kouoh, décédé en mai 2025, souhaitait que l’exposition de cette année se concentre sur le lent et le sensoriel. L’exposition d’Arakawa-Nash invite les visiteurs à s’engager physiquement et émotionnellement dans un acte profondément humain et personnel – la participation provoque non seulement de la joie, mais aussi potentiellement de la nostalgie, de la responsabilité ou du chagrin.
Ce faisant, cela nous oblige à affronter les problèmes sociaux fondamentaux liés à l’éducation des enfants dans un avenir incertain. Comme l’écrivent les conservateurs, le pavillon demande : « Comment pouvons-nous célébrer une nouvelle génération de bébés alors que nous, en tant que soignants, entreprenons le travail inachevé de réparations et de réparations qui façonnent le monde dans lequel ils entrent ? »
Le son de l’art au Pavillon Polonais et au Pavillon du Saint-Siège
Le thème mélodique de Kouoh a inspiré de nombreux spectacles sonores dans les pavillons de cette année. Ils évoquent au propre comme au figuré des tonalités mineures, invitant les visiteurs à s’engager dans l’art en utilisant un sens alternatif ainsi qu’à méditer sur les « fréquences inférieures » de la société : celles marginalisées ou négligées.
Dans l’installation audio et vidéo Liquid Tongues du Pavillon polonais, Bogna Burska et Daniel Kotowski explorent les moyens de communication dépourvus de pouvoir.
L’atmosphère est fascinante : des écrans géants, dont un monté au plafond, vous permettent de vous allonger sur un grand banc rembourré pour regarder un spectacle du Choir in Motion composé de chanteurs entendants et sourds qui chantent et signent en langue des signes internationale.
L’espace résonne de sons inspirés des chants de baleines, une « voix inouïe » comme celle de la communauté sourde. Le projet met en lumière les efforts visant à récupérer les langues mises de côté par les voix dominantes, notamment le Hand Talk, la langue des signes des Indiens des Plaines utilisée par les peuples autochtones entendants et sourds en Amérique du Nord.
Comme l’écrivent les conservateurs : « Sur la base de l’idée de Deaf Gain, la surdité n’est pas considérée comme un handicap. La plupart des images ont été tournées dans l’eau. Les personnes sourdes peuvent y signer librement, mais les personnes entendantes ne peuvent émettre que des sons étouffés ».
L’oreille est l’œil de l’âme du Pavillon du Saint-Siège complète « l’archipel des oasis » de Kouoh dans l’exposition principale, envisagés comme des espaces riches en mémoire et en émotions qui étaient au cœur des univers des grands artistes.
Dans le cas du Giardino Mistico, jardin conventuel de l’ordre des Carmes Déchaux, les visiteurs sont invités à s’accorder à un registre plus calme. Après avoir enfilé des écouteurs ouverts, vous vous promènerez en silence dans le jardin, rencontrant une série de commandes sonores de musiciens expérimentaux inspirées des chants et des visions de Sainte Hildegarde de Bingen du XIIe siècle.
Dans un monde cacophonique qui court vers la nouveauté et l’innovation, cet acte rétrospectif et introspectif de marche et d’écoute semble tout simplement radical.
Un monde marin d’eaux usées au pavillon autrichien
Si jouer dans une tonalité mineure décrit quelque chose à l’heure actuelle, c’est bien la ville de Venise elle-même. Son sort mélancolique est exploré dans ce qui est en passe de devenir le pavillon le plus animé de la Biennale cette année, en Autriche.
Intitulé Seaworld Venice, il se situe quelque part entre un parc à thème sous-marin et une station d’épuration des eaux usées – une vision brutale de l’avenir de la ville dans de sombres scénarios de changement climatique.
L’installation permanente en direct de la chorégraphe et artiste de performance autrichienne Florentina Holzinger présente un jet skieur nu qui tourne en rond, en clin d’œil aux problèmes de Venise liés au trafic excessif de bateaux, et un autre artiste nu dans un réservoir d’eau rempli avec l’urine filtrée des visiteurs provenant des toilettes portables adjacentes.
Le projet rend les visiteurs visiblement conscients de leur impact individuel sur Venise et de la fragilité écologique du monde.
Comme l’explique la commissaire Nora-Swantje Almes, « Holzinger dépeint la complicité de l’humanité dans l’effondrement des systèmes, remettant en question les structures établies et l’ordre apparent des choses – et révélant que l’ordre lui-même est intrinsèquement instable. »
